香港展览聚焦于舒伊夫过去三年来的最新作品，均围绕“重复”作为主题。舒伊夫认为：“我希望创作出无论戴上或是摘下眼镜都好看的作品”。

虽然新作品材质是麻布面油画，《WARP & WEFT》系列灵感则来源于编织艺术。舒伊夫采用类似于编织的技法，先水平、再垂直作画。尽管他自嘲道：“我忙于绘画而无暇编织”，他却在创作中发现了二者的相似之处，“我喜欢探索编织，因为我创作的本质也是重复性地从左到右、从上到下。一旦我开始创作，便不需要过多地思考些什么。我有一双灵巧的手，非常擅长编织”。

编织的固有工艺，以及舒伊夫的灵巧笔触，远比任何特定的叙事或意义重要。创作过程几乎是治愈的，唤起一种灵性的感受与催眠感。舒伊夫的作品表现出其对于技巧的不懈痴迷，旨在达到完美与精确。

对于几何重复的痴迷可以追溯到上世纪八十年代，舒伊夫职业生涯的早期。那个充满活力的时代，在纽约东村的中心，舒伊夫沉浸在艺术革命的能量中。他住在历史悠久且标志性的切尔西酒店，被安迪·沃霍尔 (ANDY WARHOL) 等名人所吸引，并在帕特·赫恩 (PAT HEARN)、高古轩 (GAGOSIAN) 和利奥·卡斯特里 (LEO CASTELLI) 等画廊展出。舒伊夫试图创作缺乏含义的作品，在直面虚无的同时，赞美绘画的创造性。

舒伊夫回忆起由唐纳德·贾德 (DONALD JUDD) 和弗兰克·斯特拉 (FRANK STELLA) 发表的著名极简主义宣言：“所见即所得”。尽管舒伊夫在作品中采纳并探索了“虚无”的概念，其艺术技法、工序以及匠心始终存在。

舒伊夫的作品绝非随意，相反，它们反映出对于单位数量与笔刷选择的细致考量。所有元素共同造就了作品的特殊性与冲击力。舒伊夫作品中看似有限的色彩搭配，主要包含红、黄、蓝，偶尔还有绿色，并不是刻意的选择，而代表着他放弃主动权、让绘画本身进行抉择的意愿。

由此完成的艺术作品是舒伊夫在创作中所投入的时间、精力与技法的具体呈现。他强调：“对于该系列绘画，颜料在数量、粘性、饱和度、速度与势态上保持一致至关重要，需要很高的技巧。绘画自身完成了大部分的决定，而展现出的技法则来自于我。我认为自己更像运动员，而不是诗人”

舒伊夫自称运动员，将肢体且出于本能的层面引入创作的过程之中，表明出其作品不仅需要脑力劳动，更需要体力强度。正如艺术家本人所说，一系列单位 “记录着我燃烧的卡路里”。

《WARP & WEFT》促使观者探索由经纬线代表的艺术规则、艺术家付出的劳动，以及无限创造力的领域之间错综复杂的关系。展览鼓励大家对作品进行自主思考，为不同的解读开启想象空间。